Come è iniziata la collaborazione con Slalom?
Qualche anno fa, durante la Stockholm Design Week, mi sono ritrovata per caso al loro stand. Ricordo vividamente una conversazione che è stata allo stesso tempo semplice e profonda, che ha toccato temi come lo spazio, la sostenibilità e naturalmente, l’acustica. Sembrava che avessimo già trovato un terreno comune.
Come si è sviluppato il concept dello stand?
Cerco sempre di creare un universo unico per ogni progetto. Per questo stand, mi sono concentrata sul mantenere una profondità spaziale lavorando sulla stratificazione e sulle inquadrature che si evolvono man mano che i visitatori si muovono nello spazio, aprendo nuove prospettive, colori e pattern. Poiché questa è la prima volta che lavoro con soluzioni architettoniche, ho sentito che era essenziale mettere in risalto questo aspetto, creando qualcosa che sembrasse profondamente architettonico. Lo stand è progettato come un padiglione, con un esterno che incornicia l’esperienza interna: una sorta di “scatola dentro la scatola”, dove lo spazio sembra essere sia aperto che misterioso.
Che tipo di “sfida” presentava lo spazio?
Questo è lo stand più piccolo che abbia mai progettato, ma è anche uno dei più emozionanti in termini di design architettonico e artistico, poiché è la mia prima esposizione in cui non lavoro con prodotti tangibili specifici, come i mobili. Invece, ho avuto l’opportunità di concentrarmi su superfici e colori, oltre agli elementi acustici. La sfida è stata quella di mostrare il maggior numero possibile di materiali, mantenendo al contempo un design coeso ed elegante. Lavorare con le soluzioni acustiche di Slalom ha anche richiesto un’immersione profonda nelle loro proposte prima di iniziare la fase di progettazione.
Il colore gioca un ruolo fondamentale nel tuo lavoro. Per lo stand di Slalom, come hai scelto i colori e come hai bilanciato l’appeal estetico con la funzionalità acustica?
Non vedo il colore come separato dalla funzionalità. L’appeal visivo dovrebbe esaltare lo scopo del design. Il colore è uno strumento potente in ogni progetto. Per questo stand, ho voluto bilanciare le tonalità più neutre dei pannelli acustici di Slalom, come Woody e Bloom, con il mio approccio tipicamente audace al colore, incorporandoli in modo giocoso ma raffinato, che complementasse il design complessivo.
Che tipo di emozioni o reazioni speri di suscitare nei visitatori?
Volevo creare un’atmosfera drammatica ma anche giocosa e cinematografica, offrendo ai visitatori una serie di esperienze e prospettive che stimolassero pensieri nuovi.
In che modo questo progetto si relaziona al tuo stile di design, al tuo background e alla tua città natale (Stoccolma)?
Stoccolma è la mia casa, ma lavoro spesso a livello internazionale. In questo progetto, ho portato il mio stile di design caratteristico, che è più influenzato da un’impronta internazionale/mediterranea. Mi sono concentrata sul creare quella magica intersezione tra percezioni bidimensionali e tridimensionali, lavorando con gli strati, ispirandomi ai labirinti, alle piastrelle e a quei momenti monumentali, quasi surreali, che si creano nello spazio.
Hai scoperto nuove possibilità nei prodotti acustici di Slalom?
Assolutamente. Mi entusiasma particolarmente il potenziale di integrare texture tridimensionali su superfici piane, come pareti e soffitti.
Potresti parlarci del prodotto che hai creato per Slalom?
Sì, ho progettato un feltro stampato con un pattern a blocchi di colore, prendendo spunto dalla palette di colori dello stand, che include il senape e l’azzurro pastello, aggiungendo il nero, con un’enfasi sul tono leggero dell’ “azzurro cielo”.
Pensi che le future innovazioni nei materiali cambieranno il modo in cui design, colore e spazio interagiscono?
Decisamente. I materiali sostenibili stanno trasformando il modo in cui pensiamo al design. Le texture e l’aspetto dei materiali continueranno ad evolversi, e sono entusiasta di esplorare nuovi modi per integrarli nel mio lavoro. I designer hanno la responsabilità di esplorare pratiche sostenibili, e i materiali che scegliamo dovrebbero riflettere questo. Lavoro spesso con texture miste, riciclate e grezze. Spero che possiamo continuare a valorizzare sia i colori vivaci che quelli più profondi, come Slalom fa magnificamente con la sua palette e i suoi materiali.
Nel futuro del design, quali schemi cromatici ritieni avranno un impatto maggiore?
Gli schemi di colore calmi, armoniosi, confortanti ma anche vivaci stanno diventando sempre più popolari. Le persone desiderano spazi sicuri e personali, e il colore gioca un ruolo enorme nel creare questi ambienti. Siamo oltre la fase degli interni bianchi minimalisti e abbracciamo i toni più sfumati.
Come si è sviluppato il tuo senso estetico?
A cinque o sei anni, il mio amato tappeto rosa fu sostituito da un pavimento grigio, e ricordo vividamente come l’energia della stanza si affievolì. Penso che sia stato il primo momento in cui, inconsciamente, “compresi” cosa potessero fare colore e texture in uno spazio; anni dopo, ricreai quel tappeto rosa nella mia camera. Un indebolimento della vista a nove anni ha accentuato il mio apprezzamento per tutto ciò che era visivamente interessante. Dopo aver studiato architettura d’interni e lavorato in uno studio di architettura a Stoccolma, ho sentito che mi mancava qualcosa: la creatività. Ho iniziato a sperimentare con colori e materiali, creando moodboard e condividendoli su Instagram. Questo ha portato al lancio del mio studio nel 2015, segnando l’inizio del mio viaggio con il colore.
La tua esperienza di fotografa come influenza il tuo lavoro di designer?
Nei primi anni, mi sono concentrata principalmente sulla fotografia. Mi sembrava liberatorio non dovermi preoccupare della funzionalità o della costruzione, e invece concentrarmi su ciò che mi interessava—elementi visivi forti, angoli, giochi di ombre e combinazioni di colori. Guardando indietro al mio lavoro iniziale, mi concentravo su immagini minimali e grafiche, con forme e colori semplici. Questo mi ha aiutato a capire che avevo bisogno di reinventare il mio approccio alla forma e al colore. La fotografia è stata fondamentale nel trovare la mia vera voce come interior designer. Dopo anni di fotografia architettonica, ho sentito di essere passata dal creare a limitarmi a rappresentare, mentre volevo anche progettare ciò che era davanti alla fotocamera. Un primo passo in questa direzione fu una collaborazione con Montana Furniture per il colore, dove ho avuto l’opportunità di affrontare in maniera inedita gli interni, essendo libera, destrutturata e astratta quanto volevo…
Chi sono le figure che hanno maggiormente influenzato il tuo lavoro?
Non ho un unico “eroe”, mi ispiro a diverse fonti—che si tratti di un piccolo riflesso di sole su una facciata di una stradina o di un’esperienza architettonica potente, come visitare la Muralla Roja di Ricardo Bofill in Spagna. Amo il Bauhaus, Memphis e Nathalie du Pasquier per la loro influenza nella storia del design.
