Comment votre collaboration avec Slalom a-t-elle commencé ?
Il y a quelques années, lors de la Semaine du design de Stockholm, je me suis retrouvée sur leur stand. Je me souviens très bien d’une conversation à la fois simple et profonde sur des sujets tels que l’espace, la durabilité et, bien sûr, l’acoustique. Nous semblions avoir trouvé un terrain d’entente.
Comment le concept du stand s’est-il développé ?
J’essaie toujours de créer un univers unique pour chaque projet. Pour ce stand, je me suis concentrée sur le maintien d’une profondeur spatiale en travaillant sur la superposition et le cadrage qui évolue au fur et à mesure que les visiteurs se déplacent dans l’espace, ouvrant de nouvelles perspectives, de nouvelles couleurs et de nouveaux motifs. Comme c’est la première fois que je travaille avec des solutions architecturales, j’ai pensé qu’il était essentiel de mettre l’accent sur cet aspect, en créant quelque chose qui semble profondément architectural. Le stand est conçu comme un pavillon, avec un extérieur qui encadre l’expérience intérieure : une sorte de « boîte dans la boîte », où l’espace semble à la fois ouvert et mystérieux.
Quel genre de « défi » l’espace représentait-il ?
C’est le plus petit stand que j’ai jamais conçu, mais c’est aussi l’un des plus excitants en termes de conception architecturale et artistique, car c’est ma première exposition où je ne travaille pas avec des produits tangibles spécifiques, tels que des meubles. Au lieu de cela, j’ai eu l’occasion de me concentrer sur les surfaces et les couleurs, ainsi que sur les éléments acoustiques. Le défi consistait à montrer autant de matériaux que possible, tout en conservant un design cohérent et élégant. Travailler avec les solutions acoustiques de Slalom a également nécessité une immersion profonde dans leurs propositions avant de commencer la phase de conception.
La couleur joue un rôle clé dans votre travail. Pour le stand de Slalom, comment avez-vous choisi les couleurs et comment avez-vous équilibré l’attrait esthétique et la fonctionnalité acoustique ?
Pour moi, la couleur n’est pas séparée de la fonctionnalité. L’attrait visuel doit renforcer l’objectif de la conception. La couleur est un outil puissant dans toute conception. Pour ce stand, j’ai voulu équilibrer les tons plus neutres des panneaux acoustiques de Slalom, tels que Woody et Bloom, avec mon approche typiquement audacieuse de la couleur, en les incorporant d’une manière ludique mais raffinée qui complète le design général.
Quel type d’émotions ou de réactions espériez-vous susciter chez les visiteurs ?
Je voulais créer une atmosphère dramatique, mais aussi ludique et cinématographique, offrant aux visiteurs un éventail d’expériences et de perspectives qui stimuleraient de nouvelles réflexions.
Quel est le lien entre ce projet et votre style de conception, votre parcours et votre ville natale (Stockholm) ?
Stockholm est ma ville natale, mais je travaille souvent à l’échelle internationale. Dans ce projet, j’ai apporté mon propre style de design, qui est plus influencé par une ambiance internationale/méditerranéenne. Je me suis attachée à créer cette intersection magique entre les perceptions bidimensionnelles et tridimensionnelles, en travaillant avec des couches, inspirée par les labyrinthes, les carreaux et ces moments monumentaux, presque surréalistes, dans l’espace.
Avez-vous découvert de nouvelles possibilités dans les produits acoustiques de Slalom ?
Absolument. Je suis particulièrement enthousiaste quant au potentiel d’intégration de textures tridimensionnelles sur des surfaces planes, telles que les murs et les plafonds.
Pouvez-vous nous parler du produit que vous avez créé pour Slalom ?
Oui, j’ai conçu un feutre imprimé avec un motif en blocs de couleurs, en m’inspirant de la palette de couleurs du stand, qui comprend du bleu moutarde et du bleu pastel, en y ajoutant du noir, et en mettant l’accent sur le ton clair du « bleu ciel ».
Pensez-vous que les innovations futures en matière de matériaux modifieront la façon dont le design, la couleur et l’espace interagissent ?
Absolument. Les matériaux durables transforment notre façon de concevoir le design. Les textures et l’aspect des matériaux continueront d’évoluer, et je suis impatiente d’explorer de nouvelles façons de les intégrer dans mon travail. Les designers ont la responsabilité d’explorer les pratiques durables, et les matériaux que nous choisissons doivent en être le reflet. Je travaille souvent avec des textures mixtes, recyclées et brutes. J’espère que nous pourrons continuer à mettre en valeur les couleurs vives et profondes, comme le fait magnifiquement Slalom avec sa palette et ses matériaux.
Dans l’avenir du design, quelles sont les combinaisons de couleurs qui, selon vous, auront le plus d’impact ?
Les combinaisons de couleurs calmes, harmonieuses, réconfortantes mais aussi vibrantes deviennent de plus en plus populaires. Les gens veulent des espaces sûrs et personnels, et la couleur joue un rôle important dans la création de ces environnements. Nous avons dépassé la phase des intérieurs blancs minimalistes et adoptons des tons plus nuancés.
Comment votre sens esthétique s’est-il développé ?
Lorsque j’avais cinq ou six ans, ma moquette rose bien-aimée a été remplacée par un sol gris, et je me souviens parfaitement que l’énergie de la pièce s’est évanouie. Je pense que c’est à ce moment-là que j’ai inconsciemment « compris » ce que la couleur et la texture pouvaient faire dans un espace ; des années plus tard, j’ai recréé cette moquette rose dans ma chambre. Une baisse de la vue à l’âge de neuf ans a renforcé mon intérêt pour tout ce qui était visuellement intéressant. Après avoir étudié l’architecture d’intérieur et travaillé dans un bureau d’architectes à Stockholm, j’ai senti qu’il me manquait quelque chose : la créativité. J’ai commencé à expérimenter avec les couleurs et les matériaux, à créer des moodboards et à les partager sur Instagram. Cela a conduit au lancement de mon studio en 2015, marquant le début de mon voyage avec la couleur.
Comment votre expérience de photographe influence-t-elle votre travail de designer ?
Les premières années, je me suis surtout concentré sur la photographie. Cela m’a semblé libérateur de ne pas avoir à me préoccuper de la fonctionnalité ou de la construction, et de me concentrer sur ce qui m’intéressait : des éléments visuels forts, des angles, des jeux d’ombre et des combinaisons de couleurs. En repensant à mes premiers travaux, je me suis concentré sur des images graphiques minimales avec des formes et des couleurs simples. Cela m’a permis de réaliser que je devais réinventer mon approche de la forme et de la couleur. La photographie m’a permis de trouver ma véritable voix en tant qu’architecte d’intérieur. Après des années de photographie d’architecture, j’avais l’impression d’être passée de la création à la simple représentation, alors que je voulais aussi concevoir ce qui se trouvait devant l’appareil photo. Un premier pas dans cette direction a été une collaboration avec Montana Furniture for colour, où j’ai eu l’occasion d’aborder les intérieurs d’une nouvelle manière, en étant aussi libre, déstructuré et abstrait que je le souhaitais…
Quelles sont les personnalités qui ont le plus influencé votre travail ?
Je n’ai pas de « héros » unique, je suis inspirée par différentes sources, qu’il s’agisse d’un petit reflet du soleil sur une façade de rue ou d’une expérience architecturale forte, comme la visite de la Muralla Roja de Ricardo Bofill en Espagne. J’aime le Bauhaus, Memphis et Nathalie du Pasquier pour leur influence dans l’histoire du design.
