Pour insuffler une nouvelle énergie à la vaste palette de Slalom, la collaboration avec la designer, coloriste et directrice artistique suédoise Teklan pour une nouvelle collection chromatique s’est révélée une évolution naturelle. En tant qu’entreprise dont près des deux tiers de l’équipe sont des femmes, collaborer avec Teklan revêt pour Slalom une signification particulière : en parfaite harmonie avec son univers créatif, la couleur émerge de la personnalité de la designer — naturelle, vibrante, profondément intuitive — et prend forme à travers les matériaux avec lesquels elle travaille. Entre les mains de Teklan, la couleur devient moins une décoration qu’un véritable système chromatique : un outil de conception précis qui règle l’atmosphère et transforme subtilement la manière d’habiter l’espace.
Comment te sens‑tu au début d’une nouvelle exploration chromatique ?
Je me sens toujours incroyablement enthousiaste. Chaque projet est un nouveau départ, avec des possibilités infinies — un univers à part entière que je peux commencer à imaginer et à façonner à travers son propre langage. J’essaie de créer de nouveaux dialogues — c’est ainsi que je perçois la couleur et les combinaisons — et de construire des narrations qui soient significatives et parfaitement en accord avec le moment présent.
Comment as‑tu identifié les zones d’opportunité au sein de la gamme existante pour la nouvelle palette Slalom 2026 ? Quelles disciplines ont guidé ta recherche et qu’as‑tu souhaité apporter à la collection ?
Les couleurs de Slalom ne sont pas de simples panneaux décoratifs — ce sont des solutions architecturales et un véritable système d’aménagement intérieur. J’ai donc analysé la gamme actuelle sous cet angle, en observant à la fois l’architecture et le design d’intérieur. Ensuite, j’ai exploré des intérieurs historiques et contemporains, que j’ai croisés avec les prévisions chromatiques futures, en me concentrant sur les pigments naturels et sur ma vision de ce que devraient être des espaces à la fois réconfortants et inspirants. Au cours du processus, je me suis rendu compte qu’il manquait certaines tonalités plus douces et rassurantes — des couleurs « de peinture murale », aux nuances plus complexes et à la présence plus ancrée. J’ai donc commencé à les développer : des teintes qui ne se contentent pas d’habiller les objets, mais interagissent avec l’architecture, absorbent la lumière, définissent l’atmosphère et modèlent la perception d’un espace.
Beaucoup d’entre nous hésitent à utiliser la couleur dans les intérieurs, par crainte que des tons plus audacieux ne deviennent oppressants avec le temps. Est‑ce vraiment un risque ? Une couleur peut‑elle évoluer avec nous ? Et qu’est‑ce qui rend une teinte véritablement “habitable” ?
Les neurosciences suggèrent que, même si nos modes de vie sont modernes, les réactions de notre cerveau restent anciennes. De manière générale, nous fonctionnons mieux dans des environnements nuancés, inspirés de la nature. Une pièce blanche pure, peinte industriellement et dépourvue de pigments naturels, peut en réalité être assez stressante pour le cerveau. Cependant, la couleur n’est jamais absolue : elle dépend toujours du contexte. Elle prend vie en fonction de la lumière, de sa combinaison avec d’autres couleurs et des éléments présents dans l’espace. Et c’est précisément ce qui la rend si fascinante : c’est l’outil visuel le plus puissant dont nous disposons, mais il reste toujours relatif, impossible à définir d’une seule manière.
Dans la nouvelle collection, on voit apparaître des associations inattendues — le délicat avec le fort, le chaud avec le froid. Comment détermines‑tu le point où le contraste devient harmonie ?
J’aime combiner quelque chose de ludique avec quelque chose de plus « brut » — une teinte vive, pastel ou claire avec une nuance profonde, terreuse ou atténuée. Le contraste crée de l’équilibre, de la surprise et de la beauté. Je suis profondément attirée par les palettes analogiques — surtout les combinaisons chaud sur chaud, qui sont riches et enveloppantes. Je choisis toujours les couleurs de manière intuitive : lorsque quelque chose « fonctionne », alors c’est juste. La théorie des couleurs peut te guider, mais ce n’est qu’un point de départ. Il existe de nombreuses théories établies qui offrent une base fiable et peuvent servir d’inspiration dans le choix des combinaisons, notamment en relation avec la position sur la roue chromatique : monochromatiques, analogues, complémentaires, complémentaires divisées, triadiques, tétradiques, en carré et achromatiques avec accent… Mais chaque designer devrait créer ses propres règles et son propre langage.
Le color forecasting est souvent traité comme un bulletin météo — mais la réalité est plus lente et nuancée. Dans ton travail sur les surfaces, les textiles, les objets et les expositions, comment comprends‑tu qu’une teinte est prête à émerger ?
C’est vrai — de nombreuses prévisions sont surtout guidées par des logiques commerciales, comme la nécessité pour la fast fashion de promouvoir et vendre une nouvelle couleur saisonnière. Cela offre naturellement peu de critères pertinents ou durables. Cependant, les « tendances » au sens plus profond sont façonnées par le temps, le contexte et la société dans laquelle nous vivons. C’est cet aspect qui m’intéresse et m’inspire. Pour moi, il s’agit d’être présente et attentive — de ressentir le moment. À partir de là, le choix d’inclure ou d’exclure une couleur devient conscient : par exemple, « est‑il pertinent d’adopter une couleur “tendance” ? Qu’est‑ce que cela implique pour le caractère d’un contexte donné et quelles en sont les conséquences à long terme ? » En même temps, les tendances chromatiques suivent aussi des cycles : des macro‑cycles de 10–15 ans, des cycles moyens de 3–5 ans et des cycles de revival à long terme qui peuvent dépasser 20–30 ans. Prendre en compte ces rythmes peut être utile dans l’analyse des couleurs « tendance ».
Quand sais‑tu qu’une couleur est “juste” ? Y a‑t‑il un moment d’intuition ?
Oui, savoir qu’une couleur est “juste” relève certainement de l’intuition — ce moment où quelque chose s’enclenche, où tout s’emboîte et prend sens, et où tu le ressens de manière instinctive. Mais y parvenir est toujours un cheminement. Il y a aussi une grande part de réflexion : comprendre le pourquoi, comment tout se relie et la vision d’ensemble. Créer une collection, c’est comme assembler un puzzle.
Ton approche semble très tactile — peux‑tu nous raconter ta routine quotidienne en studio ?
Comme je l’ai mentionné, j’essaie de créer de nouveaux dialogues et de construire des narrations qui soient significatives et en phase avec le moment. Mon studio à Stockholm est l’endroit où ces narrations prennent forme. C’est l’espace auquel je reviens toujours, où je rassemble voyages, recherches et expériences. C’est là que je prends les couleurs et que je commence à expérimenter, transformant les idées en pratique. Je n’ai pas de routine fixe, à part le café du matin et une promenade à midi dans la forêt près du studio — la meilleure façon de laisser les idées « mûrir ». Après tout, personne ne comprend la couleur mieux que la nature.
Dans ta vie personnelle, y a‑t‑il une couleur qui t’accompagne constamment ?
Je dirais la pêche — même si la nuance varie — c’est toujours une sorte de couleur de base pour moi. C’est l’équilibre parfait entre l’orange et le rose : chaude, amicale, délicate et douce, mais avec sa propre luminosité.
Tu vis à Stockholm, mais tu voyages souvent pour le travail. Y a‑t‑il un lieu récent qui a inspiré une teinte particulière ? Et lorsque tu commences à développer une nouvelle couleur, par quoi démarres‑tu ?
Récemment, à Madrid, j’ai vu une nuance de jade clair — entre le bleu et le vert — que j’ai trouvée particulièrement intéressante. J’ai hâte de l’intégrer plus tard, lorsque le contexte adéquat émergera. Le premier élément dont je pars est de décider quel type d’atmosphère je veux créer avec la nouvelle couleur ; c’est à partir de là que tout le reste commence à évoluer.
